jueves, 3 de diciembre de 2009

A propósito del LAND ART

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA

ESCUELA DE ARTES

HISTORIA DEL ARTE IV

Mtro. ROBERTO ROSIQUE

A propósito del LAND ART

Por Graciela Estrada García graci_mafiosa_05@hotmail.com

Este arte generado a partir del espacio, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura, va a ser el estimulante principal donde jugará un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo.

Para ello el arte interviene dentro del paisaje, dentro de la estructura misma de éste, modificándolo. Ya sea desde una postura contrastante o mimética, en la cual se realiza una operación extractiva o sumativa, construida con elementos que se encuentran dentro de este mismo entorno (tierra, agua, luz, etc.)

Es algo sorprendente como el paisaje es parte fundamental de la obra y es el que indica muchas veces el que hacer. Lo primero que hace es dialogar con el entorno y posteriormente, la obra continuará esta conversación. Así podrán surgir otras transformaciones que permitan esta experiencia artística, recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones.

El Land-Art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico, con la naturaleza. Nos sitúa ante el mundo como un mundo expuesto que requiere de la contemplación, colocándonos en posición verdadera de “espectadores”.

Para intervenir a esta escala en la cual el hombre pueda apropiarse del territorio, es importante que el arquitecto entienda el lugar en el cual va a trabajar; tal como lo hace el artista que participa en el Land-Art, desde una perspectiva general, dejando una marca o huella del hombre con los elementos a la escala de éste, determinando el paisaje a su medida; es ahí donde vemos la cercanía con la arquitectura y el paisaje.

Existe una relación estrecha entre la arquitectura de espacios públicos y el Land-Art. Al igual que el arte de paisaje, la arquitectura de espacios públicos debe ser concebida para el hombre como espectador y expectante, provocando y generando situaciones que alteran la postura del hombre frente al paisaje y la naturaleza (percepción de sensaciones)

Y lo importante del gran merito de todas estas operaciones es el haber empujado hasta el máximo en la dirección de lo físico, de la realidad, obteniendo resultados totalmente desconocidos para siglos de tradición occidental.

Algo que me llama la atención de este movimiento es como los autores de esas operaciones, por un lado, aceptan también la lógica que las domina y que las destina irremediablemente a la destrucción. Intervenciones tan extensas no pueden ser protegidas del salto de agentes físicos, atmosféricos, eólicos, acuáticos. Christo desmonta sus empalizadas y cortinas muy poco tiempo después de haberlas erigido. Los otros aceptan serenamente que las zanjas se llenen o que la marea cancele los surcos de la arena, y así sucesivamente. Por otro lado, no el Land Art en su momento de máxima madurez debe recurrir a instrumentos de registros fotomecánicos y electrónicos para corroborar su existencia.

Algo importante de recordar es que los diferentes y dispersos protagonistas del Land Art fueron por primera vez reunidos y nominados gracias a un operador cinematográfico, el alemán Gerry Schum quien luego vertió la película sobre cinta electrónica (1968).

Material revisado:

http://www.taringa.net/posts/info/941189/Land-Art.html

El arte contemporáneo de Cezanne a las últimas tendencias traducción de Carlos Arturo Fernandez. ed Norma.

LAND ART, UN ACERCAMIENTO

Posted by PicasaLand Art, un acercamiento

Por Misael Herrera herrera_missylove@hotmail.com

Land art es una forma diferente de mostrar el arte, es la manera de salir de lo acostumbrado, de lo ya establecido en galerías, cafés, salones, etc. Mostrar arte en los patios, montañas, orillas del mar y otros sitios más, trabajar con la tierra o con un espacio enorme que pueda convertirse en una obra de arte es algo maravilloso. Esto es de lo que se trata Land art.

Este movimiento surge a finales de los 60s y a principios de los 70s, y se entiende como una protesta ante lo artificial, y lo estético en la comercialización de arte en los años de 1960s en Estados Unidos. Para el artista su preocupación principal es el espacio que va a utilizar, ellos encuentran lo necesario en esos espacios. En este movimiento la intención es volver a relacionar el hombre con la tierra, el medio ambiente y el mundo. Mantener una mente consciente de lo que está pasando con el medio ambiente.

En el Land Art el artista usa todos los recursos disponibles. Estos artistas corrigen la topografía, cavan zanjas, cimas; también hacer grandes movimientos con excavadoras o camiones oruga, construyen rampas, ponen cosas en la playa o el desierto, pintan árboles o piedras.

Land art fue inspirado por el minimalismo y el arte conceptual, muchos de sus artistas participaron en estos movimientos. Robert Morris fue el pionero de este movimiento.

Los artistas más destacados en este movimiento son: Robert Morris, Walter De Maria, Jan Dibbets, Hans Haacke, Michael Heizer, Neil Jenney, Richard Long, David Medalla, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Christo y Gunther Uecker.

Lo seductor del Land art es que se interesó por el medio ambiente, el artista al momento de realizar sus obras, empleaban materiales que no le afectara al ambiente; comenzaban preocuparse por el deterioro en el medio ambiente. Eso es lo que a los artistas de hoy en día nos tocaría hacer; ayudar para que no empeore el ambiente, entrar a la mente de la gente y hacerla consciente de lo que está pasando, cuestionarlos por su indiferencia.

miércoles, 2 de diciembre de 2009

El pensamiento trascendental en la Abstracción Excéntrica

kant - benglis - bugueois
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ESCUELA DE ARTES

HISTORIA DEL ARTE IV

Mtro. ROBERTO ROSIQUE

El pensamiento trascendental en la Abstracción Excéntrica

Por Iván Vázquez Manjarrez

Para abordar este tema desarrollaré 7 puntos de suma importancia para justificar el por qué de la relación entre el pensamiento trascendental y la abstracción excéntrica al tiempo de que trataré de explicar este último concepto.

Primer punto: El idealismo trascendental de Kant:

Kant señala que es el sujeto quien determina lo que es el objeto de conocimiento, esto es, se parte siempre de una visión a priori al tratar de comprender un objeto, pero sólo es en el momento que el sujeto une su visión a priori con su experiencia del objeto cuando puede llegar a determinar lo que es éste en realidad, es decir, negamos que nosotros nos sometemos a las cosas (objetos), si aceptamos que son más bien dichas cosas las que se deben someter a nosotros.

El idealismo trascendental Kant dice que todo conocimiento se limita a la existencia de dos elementos: El primero es externo al sujeto (lo dado, o principio material), es decir, un objeto de conocimiento. En el segundo, se trata del mismo sujeto que trata de conocer. Con respecto al segundo, Kant afirma que las condiciones de todo conocimiento no son puestas por el objeto conocido, sino por el sujeto que conoce. El sujeto que conoce introduce ciertas formas que, no preexistiendo en la realidad, son imprescindibles para comprenderla. Para Kant el conocimiento nace de la unión de la sensibilidad con el entendimiento, las formas solas no producen conocimiento y las intuiciones solas tampoco. Por esto sostiene Kant en la Crítica de la Razón Pura: "Pensamientos sin contenidos son vacíos; En otras palabras, sin sensibilidad nada nos sería dado y sin entendimiento, nada sería pensado.

Al aplicarlo al arte creamos algo que va más allá de lo estético por que el resultado no es a priori por que el sujeto es activo y el objeto depende del sujeto y por consiguiente se puede modificar la realidad conocida.

Segundo punto: La Esencia

Esto es lo que buscaban todos los minimalistas. El sujeto da representaciones de lo que es en sí el objeto o fenómeno interpretado recurriendo a su esencia o lo que es independientemente de sus detalles y características superfluas. El pensamiento trascendental, como método ayuda a identificar esa esencia de los fenómenos, tangibles o no.

La esencia es la unidad primordial de cada cosa, su núcleo central y más profundo (el quid ¿Qué es?), el meollo profundo sin el cual una cosa no podría ser lo que es, contraponiéndose a lo inesencial o derivado que también puede darse en cada cosa. Aquí se toma en sentido particular o concreto.

La esencia es trascendental si porque se predica tanto lo que es común a todas las cosas que son lo mismo, como de lo que es propio de cada una de ellas, ya que las diferencias entre las cosas también son esencias. Me doy cuenta de que la esencia es lo que exponían en esos años en el minimalismo, posmodernismo (abstracción excéntrica) y el Process art de los años sesenta. Dicha corrientes trabajaban con un lenguaje directo y contundente.

Tercer punto: el conocimiento

Para sacar la esencia de las cosas es necesario tener un conocimiento complejo de la forma, pero: que es el conocimiento y de donde viene?

El conocimiento llega hasta nosotros de diferentes maneras pero hay algo en común, todas tiene una gran influencia en la manera de como percibimos al mundo.

Con la intuición no se construye el conocimiento basado en la confirmación empírica, es decir, no sigue un camino racional para su construcción y formulación, y por lo tanto no puede explicarse o, incluso, verbalizarse. Esta falta de referencia empírica puede llevar en ocasiones a conclusiones erróneas. Un ejemplo de este conocimiento puede ser el de muchos profesionales de la comunicación cuando se aventuran por instinto a crear un nuevo programa televisivo que puede ser un éxito.

Por la experiencia se conoce que algo es cierto por haberlo vivido empíricamente, dando testimonio fehaciente de él.

Las tradiciones también una forma de conocimiento, la cual rompe el pensamiento trascendental y Kant lo atacó directamente con lo que llamo la Revolución Copérnica, le da un giro al pensamiento un cambio que fue para bien.

De acuerdo al ejemplo de Copérnico en la astrología, el problema a explicar era el movimiento de los astros. Antes de la revolución la tierra era el centro del universo y el sol girando a su alrededor y su consecuencia es que no se puede explicar el movimiento aparente de los astros.

Después de la revolución, el sol pasa a ser el centro del universo y la tierra se comprende girando a su alrededor. Como consecuencia se puede explicar algo que antes se creía imposible y no tenía lugar la critica el cuestionarse.

Kant aplica esta visión crítica en la filosofía. Después de la revolución el sujeto adquiere importancia y se le considera capaz de cuestionar las cosas que se van a experimentar. La realidad del objeto se determina por sujeto en la experiencia de conocimiento sujeto-objeto.

Y en el pensamiento tradicional:

Se mantiene algo cierto porque siempre ha sido así y todo el mundo lo sabe. Es tradición todo aquello que una generación hereda de las anteriores y, por estimarlo valioso, lega a las siguientes. Aquí entra en juego el conocimiento cultural y el aprendizaje de que no suelen cuestionarse, por ejemplo, el hecho de guardar silencio en un funeral o en una sala de cine.

Cuarto punto: Minimalista

El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo “esencial”, esto es clave ya nombrado anteriormente, es necesario tener ese conocimiento para entender el minimalismo, y se quitan los elementos sobrantes. En este movimiento la tendencia es reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo sacarle el jugo, el ser, lo que lo hacer ser, lo que es. El término "minimal" fue utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolhein en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los ready-mades de Marcel Duchamp. Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en los años 1960. Según el diccionario de la real academia española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, etc.

Características:

  • Abstracción.
  • Economía de lenguaje y medios.
  • Producción y estandarización industrial.
  • Uso literal de los materiales.
  • Austeridad con ausencia de ornamentos.
  • Purismo estructural y funcional.
  • Orden.
  • Geometría Elemental Rectilínea.
  • Precisión en los acabados.
  • Reducción y Síntesis.
  • Sencillez.
  • Concentración.
  • Protagonismo de las Fachadas.

Desmaterialización.

Quinto punto: Excentricidad

Para explicar de una manera más correcta la abstracción excéntrica separé el nombre de la tendencia para saber el por qué se su nombre y saber a qué se debe.

La excentricidad a menudo está asociada con la genialidad, lo superdotado y la creatividad. El comportamiento excéntrico del individuo es percibido como la expresión de su inteligencia única o su impulso creativo. Por lo tanto, la forma de actuar de una persona excéntrica suele ser incomprensible no porque sea ilógica o resultado de su locura, sino porque proviene de una mente tan original que no puede ajustarse a las convenciones sociales. En las palabras de: Edith Sitwell

La excentricidad no es, como se suele pensar, una forma de locura. Habitualmente es una clase de orgullo inocente, tanto genio como el aristócrata a menudo son recordados como excéntricos porque ambos actúan sin temor y no son influidos por opiniones y los caprichos de la muchedumbre.

Sexto punto: Abstracción

La abstracción puede ser entendida como la observación aislada de las cualidades esenciales de un objeto, o del mismo objeto en su pura esencia o noción. Es la representación de ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos en donde la función de la imagen es restituir la impresión visual de algo real, con mayor o menor grado de realidad reproductiva.

Formas abstractas: son líneas inspiradas por la naturaleza sin significado. No son representativas y son independientes del mundo real, sin embargo, en su resultado material se observan determinadas imágenes.

Formas abstractas: Las formas abstractas son formas puras, sin posible identificación con imágenes ya existentes, son creadas por la imaginación y la fantasía del artista, también se les llama no figurativas.

La representación de estas obras es libre ya que no representan algún elemento del mundo natural o artificial.

Formas geométricas: Las cuales están rígidas por leyes determinadas que las hacen perfectas y muy precisas. Estas están presentes a diario son observadas y manipuladas. Un ejemplo, un rectángulo es la forma de un libro. Las formas geométricas pueden ser bidimensionales y tridimensionales.

Características de la abstracción.

Pocos elementos. Utilización de plastas. Mínimo en detalle. Simplificación.

Séptimo punto: conclusión la abstracción excéntrica

Empezando por el nombre posminimalista no se puede negar que tiene una estrecha relación con el arte minimal. Surgió cuando era el apogeo minimal y al realizar esta investigación comprobé mis presunciones.

Y los puntos que toqué me hicieron ver que solo tenía un conocimiento a priori de lo que es el arte minimal y aún menos de la abstracción excéntrica; al plantear el pensamiento trascendental de Kant descubrí que el minimalismo tiene como base sacar la esencia de las cosas y me confundí por que el excéntrico hace lo mismo pero la diferencia es que el minimal lo hace sí, pero de una manera más central y fría. Y el excéntrico es diferente, nunca central, es un juego en el cual lo aleatorio está como principio. Otra diferencia son los materiales que son más novedosos: el látex, las resinas, plásticos etcétera. Impera lo excéntrico y lo espontáneo; términos opuestos al primigenio minimal. crearon nuevas texturas y la gente lo aceptó y claro, lo asociaban con sus vivencias pues aun cuando Eva Hesse dijo que su contexto no era erótico, las formas sensuales y texturas no podían ser ignoradas y así, la gente miraba la esencia del erotismo, las formas simples hacían estremecer a la gente.

Aplicando sus conocimientos Eva Hesse creó una derivación de lo minimal llevándolo a lo excéntrico, quiere decir que no se conformó con lo que estaba en pleno auge en esos tiempos que era lo minimal, pero tampoco lo ignoró, lo conoció y del mismo conocimiento sacó la esencia y lo transformó en algo nuevo. Eso, es el pensamiento trascendental.

Situacionismo. El espectáculo del arte. La situación del arte en la sociedad de consumo

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ESCUELA DE ARTES

HISTORIA DEL ARTE IV

Mtro. ROBERTO ROSIQUE

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Por Valentina Machado vale.machado@hotmail.com

Esta reflexión que hago parte del libro La sociedad del espectáculo de Guy Debord y lo que he observado en algunas exhibiciones de arte. El sentido del arte está marcado por la dirección que toma la sociedad, ya que el arte es un reflejo ineludible de la sociedad que lo produce.

El Situacionismo es una corriente ideológica y artística que aparece en los años 50. Proponían entre otras cosas el disolver los límites entre la vida y el arte. Criticaban las repercusiones que tenía la vida del hombre en la era industrializada. Guy Debord es uno de los teóricos más importante del Situacionismo y sus reflexiones tuvieron gran influencia en los movimientos estudiantiles de 1968.

Debord en su libro “La sociedad del espectáculo” evidencia los daños causados por la revolución industrial en la vida del hombre. La sociedad industrializada convirtió en maquina al hombre, quitándole la voluntad y enseñándolo, no a vivir, sino a sobrevivir. El trabajo lejos de dignificar al hombre se convirtió en la ideología más perversa, ya que al trabajador sólo le dejó unos pesos para sobrevivir y unas horas para descansar. Claro en la sociedad industrial no todo es tragedia. A la clase social con gran poder adquisitivo, las jornadas largas y la mano de obra a bajo precio, claro que si le favorecía.

La industrialización aunada al poder que los medios de comunicación adquirieron, generó nuevos mercados y nuevos productos. También generó la resignificación de productos ya existentes, uno de ellos fue el arte. El arte como objeto de consumo es muy evidente en la actualidad, pero este fenómeno se viene dando desde décadas atrás. Artistas como Warhol son evidencias del impacto que el consumismo tiene en las personas. El artista nos mostró como la sociedad consumista al adquirir sus obras, consumía representaciones de productos industrializados. Productos que la misma sociedad producía. La producción artística está encaminada hacia el consumo. Los mismos museos que se pavonean de difundir el arte, de ser instituciones que promueven la cultura para que llegue a toda la sociedad, se revuelcan en su bandera. Los museos son un negocio bastante rentable. ¿Quién no ha comprado en algún museo un souvenir de la misma institución o de alguna obra del artista expuesto? A su vez las galerías cercanas se encargan de poner a la venta, obras del artista que exhibe en el museo. También personajes como el crítico y el curador cada vez tienen más protagonismo y por ende, son mejor redituados por su trabajo. Esto del arte resulta muy rentable para quienes se dedican al arte como un negocio. El beneficio también llega al artista ya que éste se cotiza mejor si un museo de renombre exhibe su obra. El museo o la galería valida al artista. Esta situación fue aprovechada por Estados Unidos ya que la capital artística pasó de Paris a New York, validando a sus artistas mediante un espectáculo bien montado, que puso los ojos del mundo del arte en sus museos y galerías. Una exhibición de arte también es ocasión de que cierta elite social se luzca ante el flash de los reporteros de las secciones sociales y culturales de los diarios. En la exposición más exitosa, lo último en que se piensa es en el arte. Las muestras de arte se han convertido en una pasarela de moda, en un cóctel donde se reúne la elite social, buscando la oportunidad de que los fotografíen con tal o cual personaje. En una sociedad que se rige bajo la consigna de que lo que no se ve no existe, es claro que todos los miembros buscarán la manera de ser validados por algún medio.

Los artistas son los personajes principales de este espectáculo. No todos han estado de acuerdo con ello. Artistas como Duchamp y Beuys, buscaban disolver las fronteras del arte y la vida. Beuys decía que cada hombre es un artista. No diferenciaba una acción de una gran obra de arte, un objeto común tenía la potencial capacidad de convertirse en una obra. Aunque pensándolo un poco si vivimos en una sociedad espectacular y tenemos un espectáculo del arte, pues el pensamiento de unificar arte y vida, se ha logrado.

Situacionismo y Beuys

Constantin / Beuys

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HISTORIA DEL ARTE IV

Mtro. ROBERTO ROSIQUE

El Situacionismo y Beuys

Por Arianaa Zulet flores Acosta. zuletflores@gmail.com

Moviendo artístico y político ocurrido entre los años 50´ y abarca hasta los años 70´s. Surge con el nombre de Internacional Situacionista.

Está integrado por filósofos, arquitectos, pintores, críticos y activistas políticos. Donde también participan los Letristas, Bauhaus Imaginista y Grupo Cobra.

Se desarrolla en un marco donde está el desencanto del comunismo soviético, hay una carencia de perspectivas laborales y la lucha de clases del esquema Marxista no valía. Surge como resultado de diversas corrientes de pensamiento que se fusionaron y se pusieron al servicio de la revolución por la libertad del individuo en contra de la sociedad capitalista moderna y como denuncia de la brutal alineación que produce la sociedad de consumo.

El movimiento Situacionista, era el único movimiento cultural de la época que ponía como objetivo único y primordial la liberación del hombre.

En el plano artístico el dadaísmo y el surrealismo fueron sus principales acompañantes por romper con las formas tradicionales de la pintura. Su principal exponente es Guy Debord autor de La sociedad del espectáculo, (1967). En esta obra Debord sienta las bases de la teoría Situacionista la cual proponía llevar a cabo una revolución en la vida cotidiana, un cambio en la sociedad y en la vida. Algunas estrategias a seguir eran las derivas y “detornouments” o giros. Los que invitaban a descubrir una ciudad distinta a la acostumbrada. Por ejemplo realizar caminatas, sin restricciones o tal vez mapas psicogeográficos a seguir.

“Lo que cambie nuestra manera de ver las calles es más importante que lo que cambie nuestra manera de ver la pintura. Nuestras hipótesis de trabajo serán reexaminadas en cada desorden futuro, venga de donde venga´´ (Informe sobre la construcción de situaciones, 1957)

El arte pasa entonces a desarrollarse espontáneamente en las calles y en la ciudad, que a su vez se convierte en la única obra de arte posible. Los situacionistas desarrollan algunas técnicas como la deriva (el andar sin sentido fijo por la ciudad o el territorio, (“la práctica de una confusión pasional por el cambio rápido de ambientes") y el desvío, una utilización imprevista y libre de elementos artísticos existentes, "la reutilización en una nueva unidad de elementos artísticos preexistentes"

La deriva se presenta como una técnica de paso ininterrumpido a través de ambientes diversos. Este concepto está ligado al reconocimiento de efectos de naturaleza psicogeográfica, y a la afirmación de un comportamiento lúdico-constructivo, lo que la opone en todos los aspectos a las nociones clásicas de viaje y de paseo.

Psicogeografía el estudio de los efectos precisos del medio geográfico, ordenado conscientemente o no, al actuar directamente sobre el comportamiento afectivo de los individuos.

En 1959 el arquitecto situacionista holandés N. Constant desarrolla el proyecto de New Babylon, una ciudad que por sus posibilidades de conectividad y derivaciones son infinitas. En este proyecto nos expone la idea de una ciudad donde se utiliza todos los espacios tantos aéreos como terrestres y valiéndose de escaleras, ascensores para llegar a todos los espacios. Crear una diversidad infinita de ambientes, facilitando la deriva de los habitantes y sus frecuentes encuentros fortuitos. Los ambientes serán cambiados regular y conscientemente con ayuda de todos los medios técnicos, mediante equipos de creadores especializados que serán, por tanto, situacionistas de profesión.

Creo que este movimiento es de los más importantes de su tiempo ya que nos invita a ver la vida diferente y realizar actividades diferentes que nos lleven a hacer personalmente cosas inimaginables. Es interesante que nos propongan no tan sólo cambiar la manera de ver el arte, si no también toda actividad ya conocida. Que el pensamiento humano se transforme para relacionarse de una manera más efectiva.

Las nuevas generaciones de artista tenemos entonces la tarea de aplicar o considerar estos conceptos en nuestras obras y en nuestras vidas para poco a poco hacer un cambio y retomar el rumbo que perseguía esta forma de pensamiento.

Me parece muy interesante que a pesar que no estén ligados tenga a su vez un pensamiento muy similar en cuanto ha no solo enfocarse en el arte, si no hacerlo de manera general, hacer un cambio de pensamiento para una vida diferente y un individuo cambiante podemos ligarlo a la forma de pensar a Joseph Beuys. Éste nos propone que la creatividad sea el motor y la guía para un estilo de vida diferente, de un ser llevado a su máximo por la creatividad.

La creatividad es patrimonio de todos es el autentico ¨ capital ¨ del ser humano, nunca el dinero. No es una cualidad estática, sino un potencial existente en todos los niveles del ser, de ahí que todo hombre sea potencialmente un artista

Joseph Beuys

Puedo concluir, si nos guiáramos un poco con estas formas de pensamiento, donde todos las personas seríamos potencialmente creativas al punto de algo natural, para expresarla y aplicarla a todas nuestras actividades, podríamos crear una sociedad diferente y respetuosa entre sí, donde cada individuo pudiera experimentar diferentes facetas de su persona y crear trabajos, obras, edificios, ciudades diferentes y cambiantes.

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martes, 1 de diciembre de 2009

Algo sobre el NEOEXPRESIONISMO NORTEAMERICANO

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St. Francis in Ecstasy
ARTIST: Julian Schnabel
WORK DATE: 1980
CATEGORY: Mixed Media

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Mtro. ROBERTO ROSIQUE

Algo acerca del NEOEXPRESIONISMO NORTEAMERICANO

Por Cheram Morales floj_oso@hotmail.com

El Neoexpresionismo Americano fue rechazado por varios críticos, por ser un movimiento vacío carente de estudio y temática.

- Pero qué mejor expresión del arte que el planteamiento de una visión del mundo sin prejuicios creados por la teoría.

En el siguiente texto trataré de abordar el movimiento Neoexpresionista Americano desde una visión de retrato social estadounidense de los años 70’s, 80’s y principios de los 90’s, donde el nihilismo de la época condujo al arte estadounidense hacia ese camino, partiendo de los artistas representantes Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, principalmente.

¿Cómo estos artistas tienen esta libertad de crear?

Para responder está cuestión debemos de plantearnos qué es la libertad en el arte posmoderno y como llegan a ella.

Este aspecto de libertad de creación es trabajada desde principios del siglo XX, donde movimientos como el dadaísmo que emplearon el azar como medio de creación, o el Happening, los performances o bien el Body Art que rompió la concepción tradicional de ver el arte abandonando el lienzo y usando el cuerpo como objeto de arte. Como resultado de estos movimientos artísticos se obtiene la libertad de creación y se rompen concepciones del arte. Es por eso que el Neoexpresionismo Americano al llegar se encuentra con las puertas abiertas para la libre creación ya que los movimientos antes mencionados rompieron esquemas y crearon nuevos parámetros estéticos.

Al hablar de una visión de retrato social me refiero a que estos artistas abordaron su arte desde las calles, sin una preparación teórica, particularmente Basquiat, creando lo que unos supusieron vandálico, cuando en realidad fue una intervención o expresión de su inconformidad social. Que mayor retrato de la realidad que lo que entienden las clases subordinadas de su entorno. Un claro reflejo de cómo se sentía un sector de la población estadounidense, nos muestra su sentimiento de vacío en - SAMO (siglas de SAMe Old shit, es decir, "la misma vieja mierda"), “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”-

Poro otro lado tenemos a Keith Haring que inicia haciendo crítica social estadounidense, reprochando la superestructura social económica y haciendo una sátira hacia el capitalismo. Desde su forma de hacer arte plantea los tabús de la sociedad como lo fue las orientaciones sexuales gay y el VIH, enfermedad que el mismo padecía, su obra refleja la real situación que se vivía en su tiempo y retrata su entorno con fidelidad.

Surge otra forma de arte y de entenderlo después de la 2da. Guerra Mundial. Estados Unidos encuentra en el arte un potencial y por primera vez en la historia Europa es desplazada, pasando el arte a manos de los estadounidenses, encontrándose con un mercado capitalista y ansioso de comprar; el arte se vuelve un producto de mercado. Estados Unidos busca generar artistas con la posibilidad de tener una pieza de valor rápido (claro ejemplo de ello es Basquiat y su obra); después de la guerra de Vietnam y de las ideas hippies entra otra vez el sentimiento de vacío en el pueblo americano ya que estas ideas se quedan sólo en eso, aunque esto da pie a un proceso de posmodernismo se abre el campo de visión hacia otras razas, otros sexos, ya no es importante el hombre anglosajón, el arte se vuelve periférico. Para ejemplos el caso de Basquiat, drogadicto, afroamericano que surge de los suburbios de nueva york, que rompe con el concepto tradicional del artista y el de Hering con su inclinación sexual y su enfermedad.

Mezclando esta libertad de creación y el origen de sus ideas se ve claramente que en realidad si fue un movimiento de alto contenido social y un claro reflejo de su entorno; es ahí en donde encuentro el gran valor de este movimiento.



Art Povera (comentarios)

Posted by PicasaMario Merz (Milán, 1925, Turín, 2003). Iglú.

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Mtro. ROBERTO ROSIQUE

Art Povera (comentarios)

Por Fernando Vega Mancillas

El Termino Art Povera (Arte Pobre)., fue acuñado por el crítico Italiano Germano Celant en 1967, para el catálogo de la exposición Arte Povera-Im Spacio, intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos que trabajaban con materiales nada tradicionales, y supuso una importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre lo material, la obra y su proceso de fabricación, y también un claro rechazo a la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte.

Este género de arte se crea en el norte de Italia, en el triangulo formado por las ciudades de Turín, Génova y Milán. De carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo enseguida mucha influencia en las escenas artísticas europea y americana.

Arte Povera es una expresión italiana que significa “arte pobre”, surge como reacción frente al arte tradicional en la medida en que este es considerado bello y de materiales nobles.

El Art Povera se vale de materiales de desecho o sin valor real ni artístico, triviales o ajenos a denominaciones como bello hermoso o exquisito. Se propone dar valor a estructuras primarias conseguidas con materiales groseros y hasta repulsivos, pero siempre intentando dotarlos de un espíritu poético.

Para ello trata de llevar la atención del espectador hacia aspectos cotidianos anónimos y rutinarios a los que nunca se les habían atribuido ninguna cualidad artística, pero sobretodo se define como contrapeso de la cultura tradicional, a la que considera inalienable y cerrada a la averiguación de las nuevas perspectivas revolucionarias.(1)

Los artistas que Germano Celante agrupó en 1967, se oponían al arte entendido como mercancía y como producto tecnológico; así como por el deseo de volver a conectar con una naturaleza cuyos procesos de crecimiento, transformación y degradación escenifican.(2).

En esa primera exposición, de 1967,Celant reunió obras de Boetti, Luciano Fabro, Janis Kounellis, Giulio Paolini, y Pino Pascali, que serían artistas emblemáticos del movimiento junto a Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari, Mario Merz, Marisa Merz, Giuseppe Penone, Pistoletto y Gilberto Sorio. En ellos Celant reconocía la voluntad de construir una actividad procesual, fundada sobre prácticas confundidas con las exigencias de una realidad vivida, implicada en un contexto político e ideológico. (2).

Considero, desde mi personal punto de vista, que esta corriente artística, surge como respuesta a otras corrientes que se mostraban en diferentes partes del mundo principalmente los Estados Unidos de Norteamérica, que después de la segunda guerra mundial toman el mando, si no en tener grandes artistas, sí en manejar o controlar el mercado del arte, objetivo que logran. Actualmente en Nueva York, se decide el manejo del arte, o como menciona Juan Carlos Reyna en su libro Las Estéticas de la Mundialización: El arte contemporáneo ya no puede transgredir, el arte contemporáneo Trafica (3).

Me parece que el Art Povera es una corriente que surge como ya se mencionó, como una reacción frente al arte tradicional, buscando romper con lo anterior, pero además se vale de objetos de desecho y en esos años, 1967, la industria se mostraba en plena ebullición y con mucho material que se pretendía dotarlo de espíritu poético.

Aunque es una corriente que tuvo su auge en esos años, en la actualidad, tiene aún vigencia. En nuestra región existen algunos artistas como Jaime Ruíz Otis por ejemplo, que trabajan con materiales de las mismas características (desechos), como televisores, pantallas, monitores etc., aunque el discurso tal vez sea lo diferente.

Estoy de acuerdo con esta corriente, en el sentido que podemos hacer arte con todo material, lo importante es la intención, y provocar al espectador, con materiales de cualquier tipo siempre cuidando el aspecto ecológico y sin riesgos.

Referencias:

_Todacultura.com/movimientosartirticos/artepovera.htm (1)

_Historia del arte, Instituto Gallach, Vol. 16, Oceano editorial, Pag 2922. (2)

_Reyna, Juan Carlos (2008). La(s) Estética(s) de la mundialización, ICBC, premio Estatal de Literatura 2008, Gob BC.(3