GRAFFITI
Mariana Fragoso
mariana_9022@hotmail.com


El término graffiti fue usado por primera vez en este sentido por los arqueólogos para designar las escrituras informales en tumbas y monumentos antiguos. Hoy, al igual que entonces, graffiti se refiere a una amplia variedad de temas tratados en un tono satírico. En la segunda mitad del siglo XX el término se ha aplicado a numerosos actos, a veces considerados vandálicos, sobre la apariencia de las propiedades, mediante pintura y otros medios gráficos.
El graffiti originalmente surgió en los Estados Unidos a finales de los sesentas , específicamente en Nueva Nork, el joven pionero de este movimiento artístico fue Demetrius apodado “taki ”, quien empezó escribiendo su apodo junto a su numero de calle 183 en todas las superficies posibles de su vecindario sin intensión de sobresalir o de influenciar algo, sólo lo hacia, según explica, como algo “instintivo”. Sin embargo, brinco a la fama poco tiempo después, y se convirtió en una gran influencia muchos jóvenes que de inmediato empezaron a hacer lo mismo en sus vecindarios .
Al principio escribir su nombre era lo importante, después fue transformándose poco a poco por la competencia. Poner diferentes diseños de letras, hacerlas con sobras con brillos, con símbolos, de varios colores, en fin, a cada estilo de letra se le asigna un nombre, y por lo mismo que la competencia se hacia cada vez mas grande es cuando fueron incorporando imágenes, como superhéroes o personajes de dibujos animados, músicos famosos, imágenes creadas, etc.
El grafiti también llamado “el otro arte de escribir”, es confundido por la mayoría de las personas por cualquier tipo de palabras escritas en un muro, que son ofensivas, esas que no tienen ningún valor artístico co9mo lo tiene, el trabajo de elaboración que hay detrás, la evolución grafica que a tenido durante tantos años el graffiti.
Originalmente el grafiti tiene un sentido territorial, de oposición a las reglas, a darse a conocer, de darse a respetar, también es visto como la forma mas directa de hacer que volteé alguien a ver una pared que solo tiene un color solido impregnado.

A pesar de que el grafiti parece algo sencillo, algo que para hacerlo no necesitas saber nada simplemente, hacer por hacer, tiende a confundir a las personas, porque no es lo mismo hacer pintadas en una pared, a grafitiar, por que el grafiti tiene sus códigos, tiene su razón de ser, su esencia. Para llegar a ser un buen grafitero, reconocido y para que realmente dejes tu marca, tienes que seguir las políticas del grafiti, no son reglas por que un acto de vandalismo no puede tener reglas por eso son códigos. Pero para ser bueno se tienen que seguir los códigos, algunos ejemplos pueden ser, el nombre con el que firmas tiene que ser elegido con detenimiento, tiene que sonar bien, se tiene que escribir fácil, no usar nombres repetidos o términos callejeros, no pintar encima de una superficie ya pintada, respetar los antecedentes, respetar la historia, etc. Y siempre si se pinta encima de una pieza, tiene que ser mucho mejor, que realmente valga la pena.
La competencia es parte esencial del grafiti, es por lo que sigue adelante, es lo que lo mantiene en pie, el proceso de mejorar, de evolucionar, ir por mas, superar a los demás, pero viéndolo siempre en forma natural, no narcisista, como la sobrevivencia del mas fuerte. Como lo es en todo, necesitas ir para adelante proponer cosas nuevas, mejorar las ya existentes, para que así puedas sobresalir y dejar realmente una huella en esta vida de que exististe.
El graffiti es arte puro, es el lenguaje del ignorado, su función mas directa es la expresión libre en todo lo que te rodea, el arte instintivo, el arte ilegal, el arte temporal, ese que se hace y se destruye espontáneamente, el arte callejero, el arte que une, el arte multicultural, el arte colorido, el arte territorial, el arte confuso, el arte veloz, el arte urbano, el arte de rayar.

Historia del Arte IV
Mtro.: Roberto Rosique
Tijuana, Baja California, diciembvre-2010

Apropiación
SILVIA ESTHER ORTIZ VALADEZ.
esther_sk8@hotmail.com


Este movimiento surge en 1977 como una propuesta desmitificadora. Su intención puede ir de la ironía al homenaje.
Algunos de los artistas que abarcan este movimiento son Troy Brauntuch, Robert Longo, Sherrie Lenvine y Cindy Sherman. Su propósito era poner en escena, antes que la representación misma, los procesos a través de los cuales esta obtiene su codificación social.
Quisieron hacer patente de qué forma los usos establecidos y que pasan por naturales, en realidad son el resultado de un trabajo en el que ha triunfado una cierta política de la representación.

En lo que a mi respecta, este movimiento es como una burla o bien una ironía. Tal vez al igual que en estos tiempos actuales, los apropiacionistas pensaron que ya no había nada nuevo por hacer, que ya todo había sido visto o inventado y es entonces que comienzan a indagar en otras perspectivas del arte y es cuando deciden tomar algo de lo que ya estaba (apropiarse) para bajo esto crear un concepto que giraría todo.

Me parece que esto o es artístico, a menos no en lo técnico, ya que sólo llegan, copian y lo presentan, me pongo en el lugar de los artistas, a quienes usurparon sus piezas y al igual que ellos también me molestaría que ¨X¨ persona llegara, tomara una foto de mi foto, la presentara y de paso le fuera mejor de lo que me fue a mi como creadora original de la pieza.

Sin embargo, tengo la contraparte de mi negación a este movimiento, como mencione; técnicamente para mí no es artístico, por muy bien logrado que este, pero si hablamos de la idea, es genial, como empezó esta idea en su cabeza y como llegó a dejar una gran marca en el arte, es una idea muy atrevida, que rompe completamente con la forma de llevar acabo una pieza o de proponerla. Que sobrepasa los límites, es decir, no sólo toma un fragmento al que podría cambiarle la atmósfera, añadirle otro elemento, etc., sino que toma la pieza completa y la presenta como tal, eso es justamente lo atrevido. Y lo mejor es que el argumento que los artistas apropiacionistas hacían era tan bueno y bien fundamentado que no les podían hacer nada.

Herber Read, en su diccionario del arte y los artistas, define la apropiación como la repetición, copia o incorporación directa de una imagen por parte de otro artista que la representa en un contexto diferente, de manera que altera por completo su significado y cuestiona las nociones de originalidad y autenticidad.

Quizá de este periodo el trabajo que mas llama mi atención es el de Serrie levine, ella reproduce algunas obras “clásicas” de la fotografía “pura” de los años 30 en EEUU, exactamente iguales y se las adjudica como propias, intentando señalar dos problemas: por un lado, el desbalance entre el anonimato de los personajes retratados por el fotógrafo original -Walker Evans-,y el hecho de que la misma operación (fotografiar) se juzga de modo diferente cuando se hace sobre la realidad directa, que cuando se hace sobre una reproducción de una realidad previa, registrada a nombre -como propiedad- de otro.

La diferencia entre la propuesta de Levine y el simple plagio es que ella elige una obra muy conocida públicamente y su “creación” consiste en hacerle preguntas a través de un acto tan simple como fotografiarla, no pretende atribuirse el contenido original para sí, sino que busca cuestionar el punto en el cual ciertos objetos y/o personas están sobrevalorados según nuestra noción de autor.



Realmente el peso de este movimiento de apropiación es muy grande, tan grande que hasta la fecha sigue usándose y francamente creo que se usara siempre, talvez no el sentido de apropiarse tal cual de una obra, sino que el hecho de tomar un pequeño fragmento de algo ya es una apropiación por si sola.

Viendo la apropiación desde una perspectiva un poco diferente he llegado a la conclusión de que a pesar de no aprobar la apropiación, casi toda obra de arte lo es, Es decir, partes de un referente en ocasiones, tomas algún fragmento de algo que viste y te gusto, usas una técnica que ya alguien hizo y patento y así es como caemos en la apropiación, aunque en diferentes niveles, es decir, podemos distinguir entre una obra que es totalmente una apropiación y otra que tal vez lo sea sólo en una parte.

Transvanguardia italiana
Roberto Carlos Paredes Hernández
black_cat2009@hotmail.com

Es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue empleado en 1979 por el italiano Achille Bonito Oliva, para un grupo de pintores italianos.
El italiano Achille Bonito Oliva nació en los años de los ochenta, en oposición al arte povera, movimiento de novedad hasta entonces en Italia. La transvanguardia pensaba en el regreso al gusto y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un conjunto de artistas: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis.
Los transvanguardistas se caracterizaban por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Concurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con expresividad cromática. Otra de sus características es que el artista es libre para viajar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Hacen obras normalmente figurativas, con referencias o pedazos de obras del pasado.
Su principal influencia es el Manierismo, también como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos. El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Es una tendencia parecida al neo expresionismo, la nueva imagen, el graffiti, el bad painting o la pattern & decoration.
La obra de estos artistas se caracteriza por el protagonismo que tiene el color en las composiciones, tratado en muchas ocasiones con enorme sensualidad, así como por un aire de romántica nostalgia del pasado, inspirándose sobremanera en el rico legado cultural italiano. Un interés especial por los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte con un marcado y consciente eclecticismo, serán factores característicos de los artistas de la Transvanguardia, alejándose claramente del arte conceptual, que había caracterizado la producción de los artistas de la generación anterior, y del arte povera. En las obras de Sandro Chia, las imágenes parecen flotar en el tiempo y en el espacio; con Enzo Cucchi renace el papel de artista visionario a la manera de los paisajes de Emil Nolde; como un Vincent van Gogh o un Egon Schiele, Francesco Clemente presenta unos autorretratos psicológicos donde la figura del artista se nos revela como un héroe solitario e incomprendido, así como escenas cargadas de erotismo; con Mimmo Paladino las figuras humanas, los objetos y los animales se muestran de manera arcaica, arqueológica; Nicola de María juega con espacios y colores con mucha frescura y con la libertad con que lo haría un niño. Yo creo como si de un todo vale se tratara, la Transvanguardia Italiana muestra toda una variedad de expresiones de donde cada artista puede tomar lo que desea para mejor expresarse. Asociaba la abstracción con los valores de experimentación y progreso la transvanguardia surge como la única vanguardia posible, a la vez como la única tendencia capaz de recuperar las raíces del territorio cultural del artista y proyectar las ideas del pasado en el presente

LAND ART
José Luis Resendiz Leon
catrin15_48@hotmail.com

Lo que aprendí del land art es un movimiento artístico que se basaba en hacer arte en la tierra, intervenciones en montañas. Básicamente habla de hacer obras de artes sobre la tierra. Se pueden hacer cualquier tipo de land art ya sea de algo sencillo, una intervención de rocas, arena, agua, montanas, también se puede hacer land art con cosas materiales de la casa.
La Isla de Dubái:
Una las islas que yo veo muy interesantes y que tiene un land art muy bien hecho es la isla de Dubái ubicada en Emiratos Árabes. Es una isla que por su forma de isla en forma de palmas es un land art y un centro turístico porque tiene hoteles, sus hermosas playas, etc. Lo que caracteriza esta isla y la hace especial es que tiene debajo de la isla otras pequeñas islas que forman toda la tierra, los continentes y los países, han puesto ya el proyecto de hacer otras islas en formas de palmeras en Dubái, han quitado grandes cantidades de arena y crear más lugares turísticos y centros comerciales, la desventaja es que esta isla puede llagar en algún futuro a inundarse por las grandes de agua que hay en la superficie de la isla.

Los Geoglifos en Nazca Perú:
Otro land art del que puedo hablar son los Geoglifos que están en la ciudad de Nazca Perú (Ciudad del imperio inca) estos dibujos dibujados desde tierra tienen una característica interesante, porque según cuenta la historia de los pueblos incas decían que desde tierra no son nada, pero desde el cielo son símbolos, símbolos que solos los dioses pueden ver.

Los círculos en los cultivos:
Yo siempre he tenido esta duda al igual que ustedes, que quien hizo los dibujos de círculos en los cultivos, estos círculos son muy interesantes, muy bien hechos y polémicos porque se han creado historias sobre estos cultivos de que fueron seres fuera de este mundo quienes los dibujaron, otros dicen que las mismas personas los dibujaron, yo opino la teoría de que fueron las personas, porque los seres espaciales los invento Jaime Mausan para ganar mucho dinero aunque si puede haber probabilidades de que existen seres fuera d
La silueta en la montaña de la Playa Requesón o Bahía Concepción en Mulege Baja California Sur:
Se puede decir que yo he ido a muchas partes de la republica mexicana y el lugar que mas me gusto y por mi gusto por el mar, el lugar además de San Felipe Baja California es, Mulege Baja California Sur, lugar turístico donde hay muchas playas, Playa Coyote, Santispac, Playa Escondida y otras que he visitado, pero la que más me gusto es la Playa Requesón o Bahía Concepción, además de un lugar para acampar y disfrutar la variedad, algo la hace especial y es porque la montaña que está entre en medio de la playa tiene una silueta o una pintura rupestre que tiene forma de fuego y a la derecha tiene una forma de pez, es un land art muy bien trabajado ya que empezó a dibujarse en 1997 y lo terminaron en mismo ano, cada vez que lo veo, pienso que este boceto o pintura rupestre debe perdurar por mucho.




Las piedras de Stonehenge en Londres Inglaterra:
Otro que puedo decir que es un land art, son las piedras que están en Stonehenge Londres. Muchos geógrafos, astrólogos, astrónomos, científicos y los que se dedican a estudiar rocas se preguntan quienes crearon estas grandes y pesadas rocas, y porque se mantienen en pie y no se degradan. Muchos investigadores aseguran que en la época de la pan gea y la edad de piedra los homo erectus formaron están grandes piedras y las intervinieron de manera de que quedaran circulares y bien alineaditas, pero mi pregunta es esta ¿Cómo una piedras grandes que ya tienen más cinco mil millones de años siguen de pie y no se cae? Creo que la repuesta viene de que están muy bien puestas porque tienen arriba un círculo que hace que las sostenga y nunca se caen y de tantos años que tiene se ve degradada pero no, se ve bien aunque si tiene piedras que se ya se cayeron, pero la estructura sigue en pie y no se ha caído, este lugar lo para hacer sus rituales.
CONCLUSION:
El arte es algo super importante porque nos ayuda a hacer más fuerte nuestra imaginación y lo que me enseño este curso de historia del arte IV es que me fije en el arte antiguo con el de hoy y leer mas artistas contemporáneos y visuales ya que esto me va ayudar a desarrollar esa parte de mi cerebro que todavía no capto bien pero si logro llegar a pensar con madurez, este tema lo elegí como ensayo porque me gusta hacer manualidades con el medio ambiente y con quienes lo habitan, gracias por todo maestro Rosique, me ayudo en mucho y en mis dudas.

Body art o arte corporal
Miguel Ali Gómez Gutiérrez
krizalid_89k@hotmail.com

El body art es un movimiento artístico el cual consiste en usar el cuerpo humano como la obra de arte o el medio de realizarla, de alguna manera es una forma de expresarse que deberás a llevado al límite del comportamiento humano, creo que mediante él, muchos de los artistas volvían realidad muchos de sus ideas más morbosas, aunque muchos tenían ideas -creo yo- bastante creativas, este al igual que movimientos pasados, fue abriendo paso a la aceptación de un concepto como una obra de arte, el hacer desaparecer el objeto y que el cuerpo se convierta en parte de la obra me parece un muy buen punto de partida, además que al utilizar un medio nuevo de soporte como es el cuerpo humano se crearon formas nuevas de representación, desde utilizar el cuerpo para pintar superficies enorme, o el mismo cuerpo como una obra de arte, muchas veces la exploración de sus ideas podía llegar a dañarse su propio cuerpo, experimentos entre cuerpo y mente, e incluso de comportamiento humano, hasta de su vida personal que creo es donde muchas veces salen las mejores ideas y no de tratar de encontrar un tema interesante para los demás y que no tiene relación con uno mismo.
Algunos quizá -creo- se fueron incluso a la burla o a lo ridículo en lo que consideraban todo una obra de arte desde globos con aire, latas con excremento, firmar el cuerpo y así ser considerado una obra, incluso la creación de una base en la que quien se pusiera sobre ella sería la obra, aunque suenan un poco extravagantes creo que de eso trata este movimiento, el poder llevar a cabo esa clase de acciones e ir contra lo establecido, creo que le agrega muchísimo valor a la obra, la forma de pensar de estas personas sobresalía de la de muchos más a los cuales que con tan sólo decir unas palabras podía convencerlos de lo que fuera.
Esto del arte corporal ha sido un movimiento duradero y aún se continúa hasta nuestros días, quizá no le llamen arte corporal o body art, pero ha pasado a ser lo que llamamos happenings o su derivado, el performance, cuyo objeto principal es el cuerpo del artista, quizá eso del performance también es llevado hasta los limites como la mutilación del cuerpo o el suicidio
Muchas personas realizan performance pero en realidad nunca eh visto alguno que me llame la atención, necesitan pensar mucho más sus trabajos antes de presentarlos, pulirlos. Me he dado cuenta que cuando van empezando con esto lo confunden con el desnudo o con alguna clase de actuación, o quizá buscan con demasiada fuerza hacerte entender lo que quieren decir, o tal vez no lo hacen l suficientemente interesantes para hacer pensar a las personas, no creo haber visto alguna clase de arte corporal, happening o performance, tan bueno como los de los grandes artistas quizá es mucho pedir pero creo que si planean realizar este tipo de arte deberían esforzarse mucho más.
Creo que el arte corporal aún tiene terrenos sin explorar, las posibilidades son muy variadas pero al igual que cualquier forma de hacer arte, se necesita de pensarlo bastante, los trabajos con un sustento intelectual llegan más lejos incluso si no se comunica la información, porque llega a cautivar a los espectadores de muchas y diferentes maneras.
Nunca había pensado en realizar arte corporal, pero me parece un movimiento tan interesante que hasta me han dado ganas de intentarlo, pero no quisiera hacer sólo el ridículo frente a la gente, preferiría tardar un tiempo planificándolo y juntando recursos para escatimar los gastos para que el resultado sea lo que busco y deberás hacer pensar a la gente o liberarme de las cosas que traiga dentro.
Puede ser que más que hablar de un tema sea una manera de purificarse a uno mismo y de liberar los demonios que uno traiga dentro, cualquier cosa que hagas podría justificarse con que es arte o puedes decir cualquier clase de tema, pero sabemos que siempre dentro de toda obra de arte existe ese algo interno de cada uno, lo visceral, algo nuevo de nosotros mismos que no conocíamos y que solo cosas como el arte pueden llegar a mostrarnos. Inclusive creo que podría usarse como alguna clase de terapia en grupo, la gente podría dejar atrás todos sus problemas, tensiones y preocupaciones.
Quizá una de las cosas que atraen a los artistas a realizarlo sería esta misma sensación de libertad que llegan a sentir al estar frente a un público y poder ser ellos mismos sin tener que aparentar, sin tener que ser recatados o seguir las reglas impuestas por la sociedad, quizá sientan la necesidad de desinhibirse frente a la gente o mostrar lo que sienten y piensan y no encuentran una mejor manera de hacerlo.
Además la forma en que uno puede dar a conocer sus idea y sentimientos es más cercana a uno y a los participantes, incluso los espectadores pueden llegar a formar parte de la obra y sentirse identificado con nuestra forma de pensar, incluso llegar a tener un impacto tal en ellos como para hacerlos tener su propia idea acerca de lo que uno habla, que para mí es lo importante de una obra de arte, que las personas tengan su propia idea de lo que trata la obra no importa si es totalmente diferente a lo que el artista quiso decir, lo importante es el impacto causado en el espectador.
Podría ser difícil que las personas que no tienen un estudio o conocimientos artísticos entiendan de que trata o cual es la función, podrían asta pensar en que es ridículo, pero muchas veces me e topado con gente que logra encontrar belleza en las cosas más simples, pero eso depende de cada uno y sus experiencias.
Probablemente existan cosas como la mutilación del cuerpo que son llevadas a los limites y por lo tanto muy controversiales, pero depende de cada quien y lo abierto que sean sus mentes, solo se dé un caso que llego al extremo del body art que sería el cometer un suicidio, pienso que deberás llego al extremo, pero después de que alguien realizo ese acto en particular, y cualquiera quisiera intentarlo no podría tener nada de relevante pues ya se llevo a cabo y el impacto de eso ya fue hecho, aunque quizá un suicidio masivo con un buen concepto podría pasar a la historia.
Sea como sea el body art es una forma de arte que todos los artistas experimentan en algún punto de su carrera, quizá no directamente o dándole esa denominación, pero la realización de actividades en la vida cotidiana, al momento de usarse el cuerpo, adquirir una experiencia y por lo tanto un aprendizaje, digo yo es lo que busca el arte corporal, la adquisición de experiencias, entonces podría considerarse que la vida misma es un gran performance que tenemos que hacer divertido y que valga la pena mientras dure porque todos ya conocemos el final.

Ensayo
Materia: Historia IV
Grupo: 241
Maestro: Roberto Rosique

Una reflexión sobre arte contemporáneo desde el punto de vista de una estudiante de Artes Plásticas.

Ma. Eugenia Rubio Acosta
merarubio1@hotmail.com

¿Qué es arte contemporáneo?, una pregunta fácil de contestar y tan difícil de explicar. Arte según la Real Academia Española (RAE) en dos de sus definiciones dice lo siguiente, primero: Arte es la virtud, disposición y habilidad para hacer algo y en su segunda definición dice: manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüístico o sonoros. Y para la definición de contemporáneo dice lo siguiente: primera definición, existente en el mismo tiempo que otra persona o cosa y la segunda definición dice, perteneciente o relativo al tiempo o época en que se vive.
¿Por qué recurro a la definición formal de ambas palabras? porque aunque algunos historiadores y críticos de arte coinciden más o menos en tiempos y definiciones, es más fácil de explicar que de entender.
Entonces oficialmente entendemos como arte contemporáneo todo aquello que un individuo percibe y representa de forma plástica, lingüística o sonora del mundo en el que vive. Arte contemporáneo es pues lo actual, pero la definición va mas allá de lo que nos dice la RAE que nos da una explicación sobre el contenido de sus investigaciones, nos dice que la lenguas están en constante cambio y que los diccionarios nunca están terminados que son una obra que se esfuerza en registrar la evolución del lenguaje. Algo parecido sucede con el arte contemporáneo, es un arte en constante cambio por muchas razones pero la principal es que esta hecho por humanos y supeditada a subjetividades tanto del artista como de los observadores y personajes que rodean al mundo del arte como los curadores, museógrafos y críticos del arte. Y son estos personajes los que en su mayoría coinciden en poner fechas a la historia del arte y deducen y aseguran que en la actualidad cuando se habla de arte contemporáneo se está hablando de lo que se hizo durante los últimos treinta años antes de que terminara el s. XX hasta nuestros días, pero cuales son las razones para hablar de que se ha terminado con el periodo de la modernidad.
Robert C. Morgan, En ¨Del arte a la idea. Ensayos sobre el arte conceptual¨ por ejemplo habla de cómo se da y cuando comienza el conceptualismo, para Morgan el movimiento conceptualista es el movimiento que rompe con el modernismo y da comienzo al posmodernismo y dice también que el conceptualismo está ligado al fenómeno que se da por la aparición de la era informática la cual rompe con la era industrial para entrar a la era posindustrial. Es indiscutible que los hombres y mujeres que vivieron a principios del s. XX piensan y actúan de forma muy diferente a los que vimos extinguirse el siglo XX y estamos viviendo en la actualidad. Quienes se dedican a hacer historia se basan en hechos más o menos similares para englobar un periodo y cuando el hombre propicia y genera un suceso que cambia el modo de pensar de la humanidad es cuando se habla de otro periodo sin empezar, es como vivir lo mismo pero a partir de, ¿será posible que en la actualidad estemos viviendo a la manera de?, y por lo tanto también en el arte se esté produciendo a la manera de y ¿quizá se esté evolucionando de forma muy lenta contrario a lo que percibimos con la era de la informática?, Y ¿ que aún no se haya encontrado el momento para decir que ya estamos en el arte contemporáneo?.
Al terminar la segunda guerra mundial un nuevo líder se erige como el país más poderoso del mundo y si bien la cultura occidental no ha perdido supremacía si el continente europeo, Estados Unidos es a partir de entonces el más poderoso y quiere serlo en todos los ámbitos, más de un historiador coincide en que la historia del arte se hace y se discute en Estados Unidos entonces puede un país ser juez y parte en lo que se refiere a decidir cuándo es que se ha terminado una era.
Hay quien en la actualidad hablan de que si son los acontecimientos que propicia el ser humano los que dictan el termino de un periodo, entonces en Estados Unidos se dice que el ataque terrorista que derrumbo las torres gemelas es un parteaguas en la forma de pensar, entonces estaríamos hablando de otro periodo o sólo un acontecimiento más en la historia de la humanidad actual, ¿cómo sabemos que causa que los seres humanos piensen y actúen diferente?, serán las guerras o el hartazgo de una sociedad cansada de sus dirigentes, porque a pesar de todo han sido la sociedades quienes terminan presionando para que una guerra termine.
Podríamos decir que el arte actual es arte útil que se hace pensando en la supervivencia del planeta y en contra de su destrucción y que es eso lo que lo hace diferente, pero ya Joseph Beuys lo planteaba mucho antes de que se hablara de arte contemporáneo, que ahora se experimenta con diferentes materiales y se piensa en terminar con el culto al objeto como en el arte conceptual, también ya se izo antes con Duchamp por ejemplo, ¿será acaso que el arte contemporáneo empezó realmente con Duchamp y no a finales de los sesenta?
En la actualidad da la impresión que en el arte todo se vale, que todos podemos ser subversivos y que todos tenemos el derecho y la obligación de plantear algo nuevo, pero en verdad somos los primeros seres humanos en la historia de la humanidad que nos sentimos así, por ejemplo ¿como se sentiría Gutenberg cuando pensó en la imprenta?, ¿acaso podría ser que fuera un sujeto pasivo o quizá era alguien tan subversivo como cualquier otro de la actualidad?.
Por otro lado ¿que nos impide llamar al arte que producimos en la actualidad simple y llanamente arte contemporáneo?, nada porque se cumple con el requisitos que establece las reglas de la lengua escrita, si lo que hago lo estoy haciendo desde mi perspectiva actual, alimentando mi capacidad creativa de lo que veo y vivo en la actualidad, puedo asegurar entonces que lo que propongo es contemporáneo porque lo estoy pensando y proponiendo desde mi tiempo. Pero realmente es desde mi tiempo, (y digo tiempo porque abarca un poco más que presente) como podría saber cuando realmente empieza mi tiempo y a partir de cuándo se consideraría que cambia y por supuesto cuando termina el tiempo de alguien. Porque en todo caso somos parte de las generaciones pasadas, ¿que lleva a alguien a revelarse y querer ser diferente?, será posible que sea cuando se decide crecer mentalmente, ¿cuando dejamos de aceptar los datos y hacemos preguntas?
Al parecer el tiempo es relativo y no somos nosotros los que decidimos en qué momento vivimos y que etiquetas debemos ponerle al momento actual, en cuanto concierne a la mente creativa considero desde mi perspectiva que mas que preocuparnos por el tiempo en el que estamos es mejor ocuparnos de quiénes somos y que es lo que queremos proponer y como defender nuestras posturas, y por supuesto para eso hay que estar enterados de todo lo que ya se hizo y se está haciendo como parte de nuestra cultura general, como estudiantes de Artes Plásticas tenemos la obligación de enterarnos de la Historia del Arte, y es a quienes se dedican a la investigación a quienes debemos observar con inteligencia y leer en sus resultados según el contexto en que lo digan y desde donde lo dicen.
El problema para un estudiante de Artes Plásticas en la actualidad es que constantemente nos hacemos la pregunta y ahora que sigue que me toca proponer si todo ya se hizo, desde mi punto de vista no veo porque no retomar algo que ya se hizo si después de todo es parte de nuestra historia, y el que lo hizo antes tampoco descubrió el hilo negro, el problema podría ser la falta de humildad para aceptar que reproducimos lo que hemos vistos simplemente por que nos identificamos con la misma problemática o porque ignorábamos que ya se hubiera hecho antes, la ventaja para los estudiantes de Artes Plásticas es que si bien estamos en una institución formal en donde se estudia la técnica lo que podría dar como resultado que la producción de un futuro artista este muy bien hecha en cuanto a la técnica pero muy poco propositiva en cuanto a la expresión artística, pero también existe la posibilidad de que haya instituciones en las que maestros de todas las edades sean parte de la preparación de un futuro artista y que el tiempo que dure nuestra preparación sea un compendio de vivencias pasadas, y que a través de sus experiencias nos hagan reflexionar seriamente sobre que queremos hacer y decir en nuestro tiempo contemporáneo, y por supuesto otro de los beneficios con los que contamos es que el riesgo de hacer algo que ya se izo es mínimo, sobre todo si nos sometemos constantemente a la crítica constructiva de los maestros porque la edad y la época son relativos, algún día habrá quien juzgue cuando es que empezó y termino nuestro tiempo y seguramente le pondrán un nombre que nada tiene que ver con la palabra contemporáneo.



Bibliografía
_Morgan, Robert C.( 2003) Del arte a la idea. Ensayos sobre arte conceptual Akal, Madrid